Comencemos con los participantes desde el inicio de Lollapalooza hasta el cierre.

Para empezar Orixango, agrupación artística chilena que destaco debido a que son un elemento diferente comparada al resto de bandas criollas que completan el cartel.

La mezcla de diversas corrientes étnicas nativas, principalmente ritmos africanos o afro americanos, una fusión de música y danza encantando con la magia de los tambores y melodías de ritos tribales. Recomendada para comenzar con un show interesante.

Seguimos con Cage The Elephant y Capital Cities. Por un lado tenemos a los californianos de Capital Cities, un dúo de indie electro pop, quienes tuvieron su debut el 2013 con el single “Safe and Sound” música bien “prendida” nada muy nuevo pero que están dentro de la corriente principal de la escena de hoy, se destacan.

Por otra parte, Cage The Elephant quienes llevan bastante tiempo más haciendo música, por lo que tienen asegurados sus fans al Rock & Roll Indie energético que entregan, además traen bajo el brazo su última placa “Melophobia” editado el año pasado. Su gran presentación en vivo no destiñe, recomendado.

Imagine Dragons la banda del momento que estuvo en los MTV Europe Awards y en los Recientes Grammys, ha sorprendido con su álbum debut “Nigth Vision” y su gran single “Radioactive”. Una banda que en mi opinión se observa similar a “Coldplay” pero con toques más electrónicos, otra gran presentación que debería ser imprescindible.

Otro número imperdible es la actuación de la brillante chica de Inglaterra, me refiero a la artista Ellie Goulding, quien desde su disco debut “Ligths (2011)” hasta sus recientes “Halcyon y Halcyon Days (2012, 2013), ha demostrado que no es sólo un hit más del electro pop.Su gran calidad vocal y desplante en vivo la hacen ser una de las presentaciones fuertes del evento, especialmente para los más jóvenes.

Phoenix, una banda francesa de rock alternativo de corriente under, lleva ya bastante tiempo en su marcha musical, desde el 2009 específicamente, con su primer álbum Wolfgang Amadeus Phoenix, pero no fue sino después de su single “Too Young” que se hizo mundialmente reconocida.Simplemente, porque este “hit” fue parte de la banda sonora de la galardonada película “Perdidos en Tokyo“.Recomendada para recargar energías un rato antes de adentrarse a los artistas fuertes de la jornada.

Trent Reznor, ganador de un Oscar por mejor soundtrack en la película The Social Network, es la mente brillante y líder de NIN (nine inch nails) banda de rock electrónico industrial que en vivo genera un show singular de otro nivel.

Para el cierre de esta Jornada tendremos a los conocidos y galardonados Red Hot Chilli Pepper, aunque después de su gran “revival” Californication (1999) fueron decayendo.Sus fans y su arsenal de hits aún siguen más vivos que nunca, la energía en escena y desafinaciones de Antony son las mismas, pero eso no complica para nada a sus devotos.Seguro Red Hot Chilli Pepper será un gran cierre y no defraudará.

Este año se viene lleno de energía y calidad musical, pero no puedo dejar de mencionar que en el ámbito electrónico vienen DJ’s, que si bien se encuentran en boca de los medios, sus presentaciones son muy pobres, similares al estilo de David Guetta a quienes les puede fallar el pendrive y la función muere, es por esto que creo que faltaron mas DJ’s con shows de calidad del tipo Deadmau5 (estuvieron el año pasado) es decir, más jugados creando y prendiendo un ambiente en el momento de manera completa y no solamente tirando tortas al público y subiendo y bajando el volumen de la mezcladora (Steve Aioki).

La música este disco nos trae un compositor oriundo de Iquique con sus obras más secretas, modernas e íntimas interpretadas en esta gran obra llamada Katan Nagantu que en mapuche significa “atravesar el atardecer”.

“Máscara” es el primer tema donde encontramos atmósferas de piano y voz en español algo muy interesante para este género rock y metal, letras con toques depresivos e íntimos, recomendado para los amantes del doom metal.

“Tiempo de perder” unos de mis favoritos con una letra intensa donde la voz va mucho más arriba de todas las atmósferas e instrumentos donde el ritmo lento tiene pequeños crescendos mientras un solo de guitarra vuelve toda esa melancolía en algo mas “rockero”.

“Crisol” ,¿una balada de amor o algo más profundo? Una letra introspectiva donde se aprecia diferentes tipos de poesía y una letarga batería rítmica que nos introduce a una auto reflexión, nos conecta  con nuestro ser interno tratando de descifrar una letra y canción oscura, pero no espesa por decirlo de alguna manera; es solo un grito de desahogo a una experiencia reprimida.Excelente canción.

Si me preguntaran cual es el “hit” de este disco personalmente diría “Ansiedad” un coro, guitarras acústicas, extraordinaria letra, creo que con esta canción me salgo del “opinólogo objetivo” y vuelvo al audio escucha insaciable por algo emotivo y creo que este tema lo logra con cabalidad. Mucha guitarra acústica un tema que va de menor intensidad a más, logrando que sea un gran “Hit”.

Juan Escobar con su vasta carrera como músico Ex Mar De Grises , Actual “Delonelymen” y “Bauda” nos demuestra que en Chile aparte de los “sobre valorados músicos de siempre” hay una camada de profesionales y amantes de la música que exploran otros estilos, otros géneros.

Invito a abrir nuestro prisma musical, a no ser cerrado y darle más espacio a los que para la opinión extranjera constituyen una nueva Ola musical que invade Europa y acá no son más que un grupo de músicos golpeando puertas.

Gran trabajo “ASTORVOLTAIRES” y espero que se venga mucho más.

En esta ocasión comentaré sobre un DVD que deslumbra por su puesta en escena y “performance” en vivo, llamado “HAARP”.El nombre se refiere al proyecto estadounidense llamado “High Frequency Active Auroral Research Program” y que las teorías de la conspiración culpan de muchos desastres naturales como terremotos y tsunamis.

Volviendo a lo musical vemos una puesta en escena monumental en un estadio de Wembley repleto de antenas parabólicas y globos suspendidos en el cielo, simplemente excepcional, con una introducción de “Dance of knights” del compositor ruso Sergei Prokofiev .

La banda entra a escena para explotar con “Knights of Cydonia” un tema muy rockero con toque  heavy metal, pero siempre con el sonido especial de Muse que le da ese carácter único.

“Hysteria” un bajo con distorsión, la batería comienza a sonar y un coro excepcional que logra que todo un estadio cante, salte y desate todo la devoción por esta banda inglesa, donde “Matt Bellamy” demuestra su versatilidad en la guitarra y voz, un “frotman” excepcional.

“Butterflies & Hurricanes” la presentación de este tema es sin lugar a duda algo impactante, eufórico y bello. Un tema con un coro muy sublime unas progresiones a la vieja escuela, guitarras, “teclado moog” y el solo de piano de Matt que es para recordar a Freddy Mercury y su Pos Moderna reencarnación, una ejecución grandiosa del piano de cola puesto en el escenario que muestra que no se trata de una simple banda de rock pop.

“Black Out” luego de mucho rock, coros y luces vuelve  la calma; esta balada demuestra la conexión y la complicidad del público y su banda, donde bailarinas colgando de globos por todo el estadio llevan los compases de esta balada melancólica como director a su orquesta, algo sencillamente emotivo.

En resumen podríamos decir que Muse son unos excelentes anfitriones Olímpicos del Arte, de la vanguardia “escuchable” y dejan la vara muy alta para todos sus seguidores y para la escena chilena mucho que aprender y no a copiar lo que ya está ultra repetido.

Sin lugar a dudas este DVD es recomendable para todo público que no se defraudará pues contiene absolutamente todo.

Con Live Concert, The Norwegian National Opera, un DVD en vivo cuya puesta en escena es deslumbrante, nos encamina a un viaje onírico, que solo una mente abierta musical y artística puede degustar de los detalles sonoros y visuales de esta obra maestra.

The Moon Pieces, apertura con un piano de fondo y toda la luz enfocada para un hombre con vestimenta de tiempo pasado ahorcado en medio del escenario. Escalofriante y transgresor, atmósferas oscuras y densas, dan inicio a este concierto.

Eos, una pantalla gigante mostrando el crepúsculo y la voz de Garm comienza a expresar sus tonalidades bajas y suaves, con una hermosa atmósfera de teclados y guitarra de fondo, mientras todo se torna oscuro y una luna llena ilumina el anfiteatro capturando al público a este sueño conciente del que no podrán escapar durante una hora y media que es lo que dura el espectáculo.

A medida que pasa el tiempo esta obra denota un hilo conductor que va de menos a más en lo visual y musicalmente sonoro, con “ Let The Children Go” comienzan las baterías y percusión a capturar protagonismo al mismo instante que la pantalla nos muestra la caza salvaje de una leona de una cebra bebe.

“Rock Massif” una marcha instrumental con representaciones del régimen nazi y crudas imágenes del “Holocausto”, dejan al espectador perplejo y reflexionando sobre lo que fue esa terrible realidad . Todo eso más un espectacular juego de luces que tienen durante todo el Show un protagonismo fundamental.

Luces rojas tiñen el anfiteatro y la delirante “In the red” comienza a sonar con un cuarteto de cuerdas oscuras y ritmos progresivos para dejar a todos en el climax de este sueño, viaje, introspección sonora, como queramos decir. A estas alturas del show, cada asistente tiene su visión y opinión de lo que tiene al frente.

No me gusta para nada comparar a las bandas, pero con “Hallways Of Always” tenemos un acto visual inspirado de un viejo concierto de Pink Floyd, a un actual desafiante e irreverente concierto de “Radiohead”. Su comienzo con un punto azul fluorescente multiplicándose a través de la pulsación del tempo y la constante, el piano, explota en progresiones y atmósferas visuales de otro mundo, simplemente genial.

Sin más que decir respecto al concierto, planteo, que esta banda sin lugar a dudas demostró ser “matea” para hacer las cosas bien, perfectas y meticulosas, consiguiendo que el público quede gratificado eternamente de un viaje de pos psicodélica del presente siglo, inolvidable.

En esta ocasión quiero referirme a “Timeline Symmetry” disco que con aproximadamente tres años de vida tuvo una muy buena acogida en el círculo y sus seguidores.

Creo que vale la pena recrear la existencia de este trabajo musical que explora y busca diferentes recursos sonoros intentando llegar a un público nuevo que tal vez no conoce lo que significa esta banda, ni su género en general, oyentes que saben muy poco de creaciones chilenas pues lo internacional es lo que puntea.

Es por esto que sugiero poner más atención a bandas como estas en donde existe una búsqueda propia, de calidad, lo cual toma mucho tiempo y trabajo. A ese público neutro, melómano que está en busca de nuevos estilos y sonoridades en su biblioteca musical, les está faltando: Poema Arcanus.

“Timeline Symmetry” primer tema y gran introducción del disco, con guitarras disonantes, creando capas sonoras que van produciendo una especie de contrapunto armónico y melódico hasta que aparece una melancólica guitarra que presenta el motivo de lo que se viene, con una batería jugando en lo progresivo y “mid tempo”.

Un excelente Riff de guitarra nos da el primer “knockout” con el segundo tema “Raven Humankind”. Distorsión y sonido llenador, la voz de Claudio invadiendo con su timbre grave, expresando el contenido crudo de la realidad humana sujeto en la lírica, con toques progresivos y “solos” muy atmosféricos, un excelente tema para comenzar este disco.

“The Average Man´s Odyssey” la tercera pieza de esta creación, un tema muy profundo, mucho sentimiento y oscuridad, donde los efectos de guitarra van dibujando la expresión del tema junto a la voz en constantes ritmos lentos y quiebres progresivos hasta el clímax, donde la voz gutural y el aceleramiento de tempo desata un pequeño caos dentro de la calma oscura, hasta terminar en un abismo de disonancias atmosféricas ejecutadas por la guitarra y sampler.

“By the Cliff” una de las mejores canciones del disco, inicia la guitarra acústica junto a la voz profunda y sufrida, explotando con riff pesados y quiebres en métricas irregulares, elementos que no se dejaron pasar y alimentan este tema; un gran silencio para dar una expresividad y un “patter” de batería muy bien trabajado, un coro que de menos a más rompe con lo acostumbrado a escuchar, una pieza larga pero contundente.

“Alter” también destaca: un buen patter de batería crea el ambiente oscuro con melódicas guitarras y una letra en español muy bien hecha encajando a la perfección en la base rítmica del tema un coro muy “oreja” ; notas disonantes y pianos de fondo encierran la atmosfera oscura, natural de esta composición.

Este disco cierra con “Zoom to the Void” y “Epílogo”, el primer tema nombrado ataca desde el principio con ritmos muy progresivos, rápidos, buenos riff de guitarra y una voz gutural fuerte segura y grave, contraponiéndose a la voz más suave y oscura del Vocalista.

Ligado a este tema tenemos el Epílogo que es una pieza semi instrumental atmosférica con voces graves armonizadas, dando una especie de atmósfera gregoriana más tétrica y cerrando con un canto de cierre de este gran disco.

En conclusión tenemos una creación de alto nivel en cuanto a composición, interpretación y producción, tras la gran evolución desde su primer disco “Arcano XIII”.

Con este cuarto trabajo demuestran su posición como banda logrando ser una de las mejores del Doom metal chileno.

Nos presentan su segundo larga duración sucesor de “1159” llamado “Topofonia” disco grabado a finales del 2009 y lanzado a la venta el 2010.

Este disco comienza con “Ultra máximo”, que rescata parte del álbum “1159” y nos regala al monttrio del presente con riff mas pegados, cambios bruscos de ritmo y la inclusión de sintetizadores en este caso, Moogs ejecutados por el bajista Patricio Bravo, un tema con partes progresivas y otras mas “Heavy Metal”, muy buena apertura del disco.

“Blusa”, mediante su nombre hace referencia a las pinceladas “Bluseras” incorporadas en esta sonoridad, arreglos con muchas influencias logrando una gran mezcla rítmica fusionando este rock progresivo a un blues clásico con quiebres bruscos más el brillo de los excelentes solos de parte de Fernando.

Otro tema a destacar es “La Cucha” (modismo utilizado en el sur de Chile para reunir dinero para alcohol o carne para asados) uno de los mejores de este disco con un favorable comienzo, abundante en quiebres progresivos, en donde el bajo destaca de gran manera además de los sintetizadores que adornan esta pieza instrumental muy bien ejecutada y con gran poder sonoro.

“Bio-Lento” , de introducción pausada junto a una guitarra rítmica que armoniza muy bien los “tresillos” del bajo, muy suave y con mucho “feel” hasta que la batería y su poder quiebran el sonido dando lugar a las guitarras más pesadas y contundentes más sus cortes de esencia progresiva. Llegando al final se repite el tema de la introducción pero en versión mas pesada, excelentes solos, buen “Touch”.

Sintetizadores, timbales y una guitarra esperando el momento de introducir su base rítmica sincopada es el comienzo de “Topo” tema con una base sincopada muy pegada en la cual los demás instrumentos se introducen de manera “contrapuntística” demostrando sus individualidades instrumentales que generan una tensión y resolución muy bien interpretada de parte de este trío.

“Amelia” el ultimo destacable de este conjunto de 10 piezas instrumentales con muy buen sonido e interpretación, es una pieza muy rockera en la onda de Van Halen, tanto que dan ganas hasta de bailar este rock, como lo promovió Rodrigo Zúñiga en su video promocional del disco.

Esta pieza contiene pasajes de base muy rockera además de sus quiebres progresivos que van desde los bien “Heavy Metal” a los mas acústicos pero siempre con la base Rockera de protagonista.

Este disco nos da a conocer a una banda más madura donde ya no todo es un solo infinito si no que rescatan otros elementos sonoros como sintetizadores, arreglos armónicos y rítmicos con guitarras mas pesadas y cortes acústicos, un sonido mucho mejor producido que el disco anterior .

En resumen un muy buen álbum instrumental, a pesar de su arte poco fino en cuanto a producción de diseño.

Notoriamente faltó producción, pero en cuanto a sonido, interpretación y fusión, excelente, 100% .

Recomendado para los amantes del Rock Progresivo.

Este disco nos da a conocer a una banda más madura donde ya no todo es un solo infinito,  rescatando otros elementos sonoros, como sintetizadores y arreglos armónicos y rítmicos.

“El enganche” es solo sección vocal, una buena armonía de voces entonando a los cuatro vientos la poesía del canto que viene del alma, exaltando las tradiciones criollas, la fiesta y el disfrute con los amigos.

Luego de eso comienza la Cueca “Chora” esa que describía el Tío Roberto Parra, “Soy vivaracho” se titula este tema con una letra entretenida, pero un poco ausente de sección rítmica y bajos, que hace que suene un tanto vacía.

El zapateo se inicia con el picaresco “Tu Figura” donde el pandero, el tormento y el contrabajo marcan la diferencia en lo sonoro y rítmico, acompañado a una letra muy alegre con una excelente Copla, Seguidilla y Remate (en términos cuequisticos) donde manifiestan la admiración por la mujer chilena, su encanto y hermosa figura.

Otro tema a destacar es “Vecina” con una introducción vocal muy emotiva que da el pie inicial para esta Cueca bien animada donde el enganche refleja su propio estilo de vida y lo cotidiano de la ciudad urbana.

“Propietario-Hipotecario” el single de este disco con una letra muy directa, en crítica a los créditos hipotecarios y el endeudamiento por tener un pedazo de tierra o una casa, dinámica y entretenida Cueca, y dramáticamente actual en su contenido.

El “Chatarrero” una divertida letra animada con el acordeón que no para de sonar en todo el disco, tema dedicado a los chatarreros chilenos. También destaca el piano que armoniza todo el canto de este breve pero buen tema.

Y no paramos de bailar hasta llegar al último Pie de Cueca, “Mar Estelar”. Se inicia con una introducción de pandero y acordeón dando paso a las voces que cantan una bella letra referida a los astros en el cielo Norte y Sur, junto a la maravillosa Cordillera que los rodea, una de las grandes piezas de este disco con un sutil final.

En conclusión tenemos con “El Enganche” una buena opción de escuchar Cueca fresca, actual y entretenida para estas fiestas patrias y por que no para todo el año.

Nuevos conjuntos cuequeros que podemos integrar a las infaltables cuecas típicas de todos los tiempos.

Trece temas como una alternativa musical distinta  y novedosa para este 18.

Contando con la participación  de reconocidos intérpretes de la escena musical chilena como son “Pato” Trujillo, guitarrista y docente de UNIACC ; Marcos Sánchez en el bajo, quien también es integrante de Delta y en batería Carlos Figueroa ,actual director musical del Festival Internacional de Viña del Mar, nos presenta un trabajo riguroso.

La primera pieza del álbum se titula “Abducción” – título que también denomina  el presente trabajo- y que nos aísla del mundo con potentes sonidos de sintetizadores espaciales, preludio al siguiente tema.

“Odisea 78” poderoso trabajo instrumental de unos siete minutos –concepto y estilo que caracteriza a la totalidad del álbum-, que con un inicio progresivo en métricas irregulares, un potente y  muy buen “riff” de guitarra y una perceptible base de bajo, da la introducción para que Quinteros entre como el protagonista de tan intenso álbum.

Soleando con un lead de teclado – “a la vieja escuela”-encima de una armonía con órgano Hammond, Odisea 78 es una fusión entre modernidad y rock progresivo característico de la década de los 70, donde ninguno de los integrantes del power cuarteto pasa inadvertido.

En este sentido, la pieza juega con la presentación de los demás integrantes “soleando” al igual que Quinteros, para finalmente terminar en un silencio largo con un pequeño giro rítmico marcando un muy buen comienzo del álbum.

Luego de tan virtuoso tema nos encontramos con “Por la Buena Onda” –título que considero fuera de concepto para el disco- encontrándonos con uno de los mejores track del álbum, con un riff muy mid tiempo con el sonido timbrístico del órgano Hammond en su esplendor y con un muy llenador “Wah- wah” en la guitarra.

Asimismo, el duelo de solos entre teclado y guitarra es increíble. Cada solo muy bien pensado con su desarrollo y fin, logrando una completa integración instrumental y un desarrollo del tema acabadísimo y entretenido.

“Gris Denso”, hace honor a su  nombre. Es el tema más denso y gris del disco, con desplazamientos rítmicos, variaciones de intensidad y una guitarra que suena espectacular en los solos.

Lo más destacable es el “ostinato” de la guitarra, como también la improvisación que Carlos Figueroa ejecuta desplazándose del tiempo, logrando una atmósfera irreal para el oyente.

La parte ambiental, ejecutada con un Theremin y un arpegio de guitarra que va  “in crescendo”,  logra un tema acabado y muy inteligente tanto en su composición y ejecución por Nicolás Quintero.

Para terminar de destacar las más llamativas piezas de este disco en solitario, cerramos con la descripción de “Suite de la Tormenta”, pieza que al más estilo barroco se compone de tres partes que encierran un todo en un solo concepto, la tormenta.

Su primera parte, “La invasión de las Nubes”, un tema de “mid” tiempo con notas largas y un piano propio del barroco  es  la introducción para lo que viene, “Tormenta” que inicia  con un  sonido sereno y tranquilo, en el que irrumpe  Nicolás demostrando todo su talento como intérprete y compositor.

Con quiebres rítmicos y solos destacadísimos a cargo de Pato Trujillo, finaliza con una base rítmica agresiva y  poderosa, terminando con la tercera y última parte más pausada y lenta titulada “Calma y Luz”.

En suma, Nicolás Quinteros nos brinda una excelente obra en su primer álbum como solista bajo el sello “Mylodon Record”, en el  que no abusando de su protagonismo y dejando participar a los demás intérpretes, logra un disco dinámico y entretenido.

Estamos frente a una gran creación de un destacado y joven pianista, tecladista y compositor chileno, muy recomendable para los amantes del progresivo y de la buena música.

Evelyn nos presenta su disco debut con una recopilación de vivencias y descontento social sobre la realidad de nuestro país y Latinoamérica.

Este disco homónimo abre con “América sí”  una especie de bossa nova  más moderna, con una letra espectacular que llega al alma y   hace relucir lo más oscuro de nuestro continente marcando las  desigualdades y abusos sufridos en el pasado y  en el presente.

“Alerta” canción de protesta que con ritmo de bailes precolombinos semejante a las diabladas nortinas, nos presenta una excelente música y letra que refleja los  problemas sociales de nuestro país.

Otro tema a destacar es “La Gallina y el  León”, escrito por la autora a los 18 años, en que  con una tonada sureña nos relata la historia de un amor imposible, no correspondido, que termina con un trágico final, hermosa canción.

Con una moderna versión de “Carmela”  de “La Pérgola de las Flores“ de Isidora Aguirre, Evelyn Cornejo, logra que se oiga fresca, actual y hace posible escuchar con más atención el sentido de la letra y  el meollo del mensaje , como  es la emigración  campo- ciudad a principios del siglo XX.

¿Somos un país del cobre? ¿Somos los grandes exportadores del metal rojo?

“País del Cobre”, excelente composición y una letra que critica la  desigualdad, en cuanto a que los cuantiosos recursos generados por la  explotación del metal, no implica una  adecuada redistribución de los mismos, especialmente hacia una  clase media asfixiada por sus necesidades. La autora  nos lleva a la reflexión y la cuestión social.

“Sólo tú”, composición  llena de dulzura, ternura y emoción, dedicada a su hija con una pincelada ecológica que denuncia el daño  causado por las industrias que no cumplen con las normativas ambientales  en nuestro país.

El single del álbum, uno de los mejores temas de este disco,  “Los Ratones” es  una canción metafórica que habla del desamor  de una forma muy particular. Mezclada con folclor boliviano logra cumplir con su objetivo de encantar y seducir con su canto y tonada.

Este primer larga duración de Evelyn Cornejo finaliza con un tema de Violeta Parra “Versos por la niña muerta”  que revela la influencia de la desaparecida cantautora en su trabajo.

Cornejo nos entrega una obra completa  con una mezcla de folclor de raíz con modernidad, frescura, y gran sentido social.

Cabe destacar también el arte gráfico en su digipack, hermosos diseños, pero que la hacen parecer mucho a Violeta, lo que de cierta manera le quita identidad propia.

Pero ello no le resta mérito. En resumen una buena producción  y una gran nueva cantautora de la música popular chilena.

El álbum abre con “Después” una canción que a mi juicio es una de las mejores del disco.

Con ella nos inunda los oídos de melancolía, nostalgia y excelentes arreglos musicales; simples detalles sonoros provenientes de una guitarra, batería, bajo y voz logrando el objetivo de quedarse en tu memoria y atraparte en este viaje de 50 minutos de Música.

“Flor de Papel” un buen tema pero que a mi parecer deja con gusto a poco.

Comienza la guitarra y la voz de Diego, que como verdaderos cómplices entre guitarra y hombre, van abriendo paso al clímax del tema que se advierte cuando la batería ejecutada por “Camilo Morales” mas el bajo de “Gonzalo Canales” toman su protagonismo con una buena sección rítmica que se suma a los efectos de guitarra, demostrando una cierta fusión bien “jazzera” viva y entretenida, que lamentablemente termina muy pronto.

Otra canción a destacar es “Pasaran los Muertos” con una excelente letra que podrá sonar un tanto metafórica pero que no resulta difícil de acomodar al punto de vista personal. Lo mejor de una buena letra es poder secuestrarla y guardarla en nuestra colección de sentimientos y recuerdos sonoros.

Musicalmente se muestra ya la tónica del álbum, comienzo lento, explosión timbristica, buenos quiebres rítmicos y en esta canción un coro muy adecuado pensable como para un próximo single.

“Bordados” el single promocional del Disco, un tema sencillamente genial, musicalmente inteligente con la colaboración vocal de Manuel García, que armoniza perfectamente las voces de Diego, además unos violines puestos sutilmente donde corresponden, un muy buen coro, rítmicas sincopadas, que en conjunto hacen la diferencia entre lo simple y pobre con lo simple, pero rico en texturas y composición musical.

“Final” como lo dice el titulo, cierra el disco y es el tema de más larga duración de las 12 canciones (incluyendo el bonus), es el mas cercano al rock, ya que incluye toques progresivos y “fusión”.

Personalmente considero que es otra de las mejores canciones de este álbum, en donde tengo la impresión que el cantautor deja fluir al máximo las ideas creativas que no pudo hacer encajar en “Mecánica Popular” y otros proyectos anteriores, pero que a partir de su disco solista logra al fin transmitir.

Este tema “Final” es un todo, pasajes sonoramente melancólicos, sicodélicos y rockeros, una canción que en vivo es obligación disfrutar.

Para concluir no me queda más que destacar a este gran músico chileno que da un gran paso como solista, con un sonido simple fresco y entretenido.

Solo pienso que tal vez deba trabajar más las melodías líricas a futuro, ya que como primer disco es entretenido, pero quizás ya con más trayectoria discográfica puedan sonar muy predecibles las melodías de sus letras. Obviando ese detalle, esta producción suena excelente, el arte y formato del disco es impecable, entrega el concepto de lo que vamos a escuchar.

A comprar el disco no maten la música, descubramos nuevas propuestas chilenas de calidad sean en habla hispana o en otros idiomas.

Diego Álvarez “Humo Blanco” recomendado.

Con sólo mirar la carátula, observamos el arte excepcional del ilustrador francés Fursy Teyssier (también autor de canciones insertas en este disco con su banda “Les Discrets”), que nos da el pie inicial para darnos cuenta que lo que vamos a descubrir en este doble de más de 100 minutos es un enfoque espiritual a la naturaleza y la música folk, decantando los estilos mas propios de cada autor y sus regiones nativas, como Alemania, Francia, países escandinavos y otros.

El disco uno, comienza con “Vali”, un compositor noruego que con solo una guitarra acústica y en menos de 2 minutos de canción emotiva, nos hace viajar a través de sonidos invernales del espacio natural los cuales nos llevan a hacer un alto en el tiempo reflexionando acerca de la naturaleza que aún existe en este planeta y que cada vez se ve perjudicada por culpa del hombre.

En el primer disco destacamos temas de “Nebelung” típico folk europeo alemán, simple y melancólico con guitarra acústica, violines percusiones y voz baja masculina.

“Les Discrets” banda del autor del arte del álbum aporta con dos canciones que están llenas de emoción, paz, clarividencia de modo tal que logramos tener percepción más allá de nuestros sentidos convencionales.

El segundo Disco Abre con “Nhor” banda Inglesa que con solo un piano tocando arpegios y apoyado con armonías, se convierte en una verdadera obra incidental o de escena en nuestras mentes. Su toque de oscuridad nos lleva a una meditación en donde no todo es fiesta y alegría, sino la realidad misma, en donde la maldad y la injusticia se presenta en el mundo y en nuestro diario vivir.

“Ulver” nos da vuelta el enfoque y nos entrega otra pieza acústica con mas percusión, armonías, melodías y canto (que puede hacer falta en este disco), pero es tal la profundidad del concepto que no nos damos cuenta que es casi todo instrumental.

“Bauda” la gran sorpresa en este V/A es el único representante de Sudamérica y nada menos que chileno. Este álbum doble es en su totalidad folk europeo, pero Bauda aparece con su obra como un representante de cierto modo del folklore chileno, no es un folklore ortodoxo pero si se nota la diferencia entre raíces de folk europeo y lo propio del sur americano.

Un tema con flauta y guitarra en métricas de 6/8 y menos cuadrada que la europea muestran alguna de las diferencias entre lo nuestro y el viejo continente.

En conclusión esta obra llama a la reflexión profunda, a la simple calma y relajación de la mente.

Si uno está en otra sintonía es probable que no le interese o pase desapercibido, pero si estamos preparados para viajar en una ruta “mística” llena de preguntas y respuestas sobre el ser interior o simplemente apreciar lo natural con una banda sonora en tu mente,V / A “Whom the Moon A Nightsong Sings” es la alternativa correcta.